侘び寂びの器を制作する妙手渡

職人について

日本屈指の職人の集まる土地として知られる亀岡で生まれ育った明主弥(みょうしゅうわたる)氏をご紹介します。京都の中心部から電車で30分の亀岡は、陶芸、木工、藍染の工房が多く点在する、山間の静かな町です。4歳の時に陶芸教室で陶芸と出会って以来、25年以上にわたりその技術を磨き続けてきました。亀岡に自身の工房を構え、時間と空間を表現する作風が人気を集めています。

明主氏の作品の世界観をより深く知っていただくため、今回インタビューを行いました。

現在に至るまで

亀岡で育った私は、移りゆく時間とともに育まれる美しさや、物や空間を通して感じられる時間の積み重ねに常に魅了されていました。周囲を注意深く観察することで、若いクリエイターとしてそれらの要素を自分自身の美学へと昇華させることができたのだと思います。

京都精華大学に進学して陶芸を専攻したとき、最初から陶芸家になろうと決めていたわけではありませんでした。大学に入学した理由は、純粋に陶芸についてもっと学び、長年の趣味であった陶芸に対する理解を深めたかったからです。しかし、大学を卒業する時期には、ここまで来たのだから専門的に陶芸を続けるのが自然な流れだと思いました。私はものづくりに携わりたい、あるいは自分自身が職人になりたいとずっと思っていたので、私の中には常にアートを創造することへの繋がりがありました。

今になって思えば、多くの人が想像するような葛藤はなく、陶芸への好奇心から自然と自分の作品を磨きたいという気持ちが芽生え、職人としての道を歩むことを決断したのだと思います。

学生から独立した職人へ

陶芸を趣味としていた頃と、職業として取り組むようになってからの意識の変化は、間違いなく調整が必要なものでした。以前は自分のために作品を作ることが多かったのですが、ものづくりは自分自身で完結するものではないと理解しました。自分の作品を人々に見てもらい、使ってもらうことを前提に制作することは、この仕事で最も難しい部分であると同時に、最も大きな満足感を得られる部分でもあります。

私の職人としての活動のほとんどは、毎年2〜3回の個展といくつかのグループ展を開催する、展示会を中心に行っています。また、クライアントからの個別注文や常設展示も混在しているため、時期によってスケジュールは異なります。

ただ同じコレクションを各展示会で作り続けるのではなく、常に新しいアイデアや新鮮な作品を考えることに時間を費やしています。

インスピレーションの源

環境が私の作品に与える影響は大きく、そのため私は築85年の古民家を改築した陶芸工房で制作することを選びました。古い空間が好きで、古い建物の土壁のように時間の試練に耐えてきた素材に心地よさを感じます。古い空間や古い物の素材は、それぞれ独自のトーンを持っており、それを私自身の美学に取り入れたいと考えています。

街を歩いていて古い建物や教会の壁などを見かけると、自然と建築からインスピレーションを得ていることに気づきました。建築は理にかなった、論理的で美しく構成されています。優れた構図を見ることで、空間と時間の要素を織り交ぜるために、それらの要素を自分の作品に取り入れたいと願っています。

また、作品を企画する際には、古い美術品の形状からインスピレーションを得ることもあります。例えば、19世紀の沖縄の「パナリ焼き」という陶器の様式には、独特の古びた曲線的な特徴があり、それを元にした花瓶も制作しています。その他には、根来塗（ねごろぬり）という漆器、ローマングラス、古い青銅器、そして壁や柱などの建築の要素なども挙げられます。

陶芸以外の分野への興味が深まるにつれて、それがインスピレーションの大きな源となり、視野が広がりました。
創作について考えるとき、多くの古い要素を取り入れていますが、作品そのもののレプリカを作るのではなく、自分が気に入ったものを見たときに心の中で感じる感情を再現しようと努めています。自分自身の感覚や感情に触れ続けることが、私を地に足のついた状態に保ち、常に満たそうとする自分自身の基準となっています。

伝統のニュアンスを生かしつつ、自分自身の個性を加えることは、今後何年にもわたって磨きをかけていくことでしょう。

献身、配慮、熟考、そして制御

どのような作品を作るかによって注意する点は異なりますが、常に変わらないのは、自分が心から満足しない限り、作品を世に出すことはできないということです。

忙しい日は、集中力が途切れ、創作に全力を注げないことがあります。そのような時は、自分の作品に不満を抱くことが多いです。作品の成形段階で少し違和感を感じたり、窯で焼成された後に、もっと面白くできたのに、と思うことがあります。

絵画の場合、最初から最後まで作品を手に取りながら計画し、描くことができます。しかし、私が作品を制作する際には、自然の要素に任せる部分がよくあります。模様に関しては、粘土を塗った作品を水に浸すことで、表面の土がゆっくりと水に溶け出し、毎回異なる表情を生み出します。窯に作品を入れる工程も、職人が作品から手を離さなければならない部分であり、私たちの手から離れるのです。

この工程を可能な限りコントロールしようとしますが、偶発的な要素や偶然の要素は予測できません。作品がどうなるか分からないというこの不確実性が、私を創作し続ける原動力となっています。

制作コンセプトと様式の選択

私の作風の主な特徴は、ガラス質のコーティングを施さずに天然の土のみを使用することです。作品は土から作られているため、まるで呼吸しているかのように水を吸収します。私の花瓶に水を入れて花を飾ると、水がずっと新鮮なまま保たれます。水を清潔に保つことができるので、花瓶に最適だと思いませんか？

コーティングを使用しないもう一つの理由は、時間の経過とともに陶器の色が変化するのを見ることができるからです。例えば、カップでお茶を飲むと、長年使い続けることでお茶の色を吸収し、カップの色が徐々に変化します。私の作品は非常に高温の窯で焼成されるため、色の変化は一瞬ではありませんが、革製品が繰り返し使用することで変化するのと同様に、徐々に変化します。

私の創作のテーマは「時間」なので、作品が使用によって変化していく様は、私のコンセプトに完璧に合致すると考えています。だからこそ、作品に天然の土のみを使用することが、私にとって非常に重要なのです。

現代社会では消費目的の製品が多く作られている中で、長く使える製品を作るということを常に意識して制作しています。

また、最も心地よい形は何かを探すため、少しずつ作品の形を変えていくことも好きです。型で作られた均一な製品とは異なり、私の作品はすべて手で形を整え、紐などを使って手彫りしています。一つ一つの作品の明確な特徴を見極め、余分な部分を削り取って、自分が望む形を作り出します。

同じ形のものでも、それぞれにわずかな違いがあることに気づくことが多く、まるでそれぞれが独自の顔を持っているかのようです。

時間の本質を醸し出す空間を創造する

将来的に本当にやりたいことは、自分の作品を建築に統合し、陶磁器を空間全体の構成要素の一部として取り入れることです。空間の雰囲気や雰囲気を変えるアクセントを加えることは、今後私が目指すところです。

キャリアの柱として、土のコーティングや、手の中で、水の中で、そして窯の中でそれが変化する様子を実験し続けたいと考えています。この技術の継続的な実験を通して、私の作品を見る人々とその感動を共有できることを願っています。

作品をどのように使ってほしいですか？

実際、私の作品を特定の用途に限定する必要はないと感じており、人々には柔軟な発想で作品を使ってほしいと願っています。これが、私の作品の核にシンプルさを保つ大きな理由であり、どんな場面にも馴染み、人々が自分に合った方法で私の作品を自由に使えるようにするためです。形やスタイルがシンプルであればあるほど、デザインも際立ちます。

例えば、花瓶である必要はありません。そのまま飾ってもいいし、土を入れて植物を育ててもいいし、ペン立てとして使ってもいい、何でも構いません。所有者が作品をどのように使うかによって色が変化し、あなた自身の色彩や個性を身の回りのものに溶け込ませてほしいと願っています。